Darkened underpass

話說自己還沒完全摸熟 Helm 合成器軟體,又一頭栽入 MilkyTracker這個小玩意。

官網上說,MilkyTracker 最開始是為了掌上型電腦 Pocket WinCE 所開發的音樂編輯軟體。遙想當年,我也曾經是 PDA 的愛用者,從 palm, Sony Clie, 到最後一台 Win CE(忘了是哪一款廠牌,只記得是網路買的二手貨) ,最後終於在 2010 年左右被智慧型手機與平板打得 PDA 翻不了身。 廢話講這麼多是因為我非常驚豔於 MilkyTracker 容量之輕巧,在 windows 底下執行檔本身不到 3MB!!! 其它的 DAW 到底是把電腦資源浪費到什麼地方了啦。不知為何 MilkyTracker 至今未有 Android/iOS 版,大概是這種個體戶啫好型開發者個人的資源時間有限吧? 後來讀多了一點官網上的資料,才知道這派音樂製作軟體叫作 Music Tracker,是為 Module file 家族的一員, 1980 年代的電玩機的音效音樂就是這樣做出來的。

一開始玩 MilkyTracker 最不習慣的是它計算是 hex 十六進位制(逢十六進一),如果是四拍子的節奏或許還好推算:把一小節當成由十六等份,但三拍子/三連音該怎麼辦呢?

同樣按照學習 LMMS bassline 的方式,練習鍵入一些基本的鼓聲節奏,習慣其操作或背熟一些快速鍵後,就能感受到它透過電腦鍵盤快速編輯修改的方便。

我覺得 MilkyTracker 最強大的地方在於它還內建了合成器功能(sample editor),使用者可以從最基本的聲音波形來調制自己想要的音色。對合成器新手而言,其不失為一種學習認識基本波形音色與過濾器效果的起點。但由於 MilkyTracker 程式本身的輕巧,其聲音波形樣本在音度變化時就會嚴重失真,例如我從 Free wav sample下載了鋼琴聲(取樣自 Yamaha-EX5-Stereo-Grand-C4),除了中央 C 還算像樣外,其它音度聽起來就非常”電子化”。

MilkyTracker 雖說能直接透過電腦鍵盤上倒數第二排與倒數第四排的英文字母輸入 do re mi fa so la si 七個音階,但要如何支援外接 midi 控制器呢,其官網說明書如是:

  1. windows 可點擊應用程式視窗左上角以出現偏好選項,在其下設定 midi 來源
  2. Linux: Enabled by default if available on the system. See the Linux readme for details. (但找不到 linux 安裝指引文件)

後來查到方法是:透過 aconnect 指令

aconnect -li

i 大概是 input ,輸入上方文字指令可以顯示目前電腦有哪些 midi 資源

aconnect -lo

o 當然就是 output

aconnect 20:0 14:0

假設要使用的input 來源序號是20, 輸出訊號為14,就打入上述文字完成串接就可以順利地利用外接 midi 控制器作輸入來源。aconnect 也有圖形介面 aconnectgui,但我覺得不是很好用。

#DAW

學習試玩 DAW 之後,發覺自己似乎不得不去了解一點合成器的基礎觀念,先是重看了一遍好和弦對於合成器的入門介紹:

  1. 15 分鐘內,一次就搞懂「合成器」!
  2. 關於「合成器」,10 件你一定要知道的事情!

上頭兩支影片雖然至少看過兩遍,但仍然一知半解,接下來的動作是安裝了幾款網民們推薦的免費版合成器軟體大抵有:

  1. Helm
  2. Dexed
  3. OB-Xd
  4. Sinnah Synth
  5. Odin 2
  6. ZynAddSubFX

........

這一堆合成器軟體介面一個比一個複雜花俏,有的可以發出聲音,有的卻無聲無息,搞了半天自己仍然不得其門而入。後來找到 Mad 大大熱心翻譯整理的〈免費合成器 Helm 中文說明書〉,透過他的解釋除了認識其操作介面符號之功能作用外,更是了解合成器對聲波聲頻控制改變的效果與結果。有了專業者本地化的文字說明,大大地減輕我這個聲學音感白痴的學習壓力,自己也可以實地操作各種轉鈕、波型頻率變化來真實感受到底會發出什麼不同的聲音,其差異何在。此刻再回頭看好和弦的兩支介紹短片,這才有了一點通透感:啊,原來合成器就是讓人可以”製造、操弄”聲音波型(其背後另有物理原理、數學公式、不同演算法套用),整弄出一種自己想要的音色。

Helm 作為跨平台的合成器軟體,雖說也有 windows 版本,但在 R400 筆電/ win 10 試著啟動卻會自動崩潰,倒是在 linux mint 執行相安無事。我覺得 Helm 最適合初學者的原因除了有上述中文版的入門聖經外,還因為它能支援電腦本身鍵盤作為輸入音效的控制器。有些合成器軟體(ex. OB-Xd),就非得要透過外部 midi 控制器才能輸入音訊(還是我太笨找不到它如何透過電腦鍵盤輸入聲音訊號指令的方法),感覺就很麻煩。

#DAW

網際網路搜尋引擎輸入 DAW for linux 關鍵字後,在一堆評比推薦的網頁中,找到一款開源的 Rosegarden音樂製作軟體,其網頁上寫說其特點是更方便支援 midi 電子樂器聲音輸入, 聽起來好像蠻符合我的需求(?)。因此立馬來試試:Linux mint 透過軟體中心安裝 rosegarden,啟動此應用程式後,果然在其 midi devices 選項下看到已連接電腦的電子樂器。若要透過外接的電子輸入音符,則讓某一音軌開始”錄音”(recode)即會把電子琴所彈奏的音符記錄儲存下來。

但令人不解的是,Rosegarden 雖然能無痛地連接驅動外部 midi 控制器,但卻無法直覺地讓電腦的音效卡與喇叭(反倒是可以把外部 midi 作為音源輸出器),詢問過大神 google 得知得再透過 QSynth 來決定使用的 soundfont 與音源輸出的端口。但為何要這麼麻煩,Qsynth 到底又是何方神聖,自己也弄不清楚 Orz。

經這一番折騰,終於把 Rosegarden 音軌的聲音順利地透過電腦的音效卡喇叭播放出來。試著錄下最近練習的 Streabbog No.63 第一段旋律,再聽聽回放,果然能發現自己在彈奏上的許多問題,這是彈琴當下無法察覺意識到的毛病,就好像有人說利用攝影機錄下自己的演講,然後再透過影片的檢討來有效糾正自己的腔調、語氣、臉部表情與肢體動作的缺點。現代人學樂器不免開始碰數位音樂工作站軟體,大概不脫要自己錄音檢討或分享散佈之類的動機吧。

Rosegarden 為人稱道的優點除了外接(電子)樂器的方便,它還自帶樂譜製作與樂譜辨識功能。在 notation 模式下,它會出現五線譜與音符表,可透過電腦鍵盤打入音符,這就有點像打譜軟體musescore ,但比起後者 Rosegarden 又多了 synthesizer 外掛,我的理解合成器可對聲波進行操控調整,應該就像 photoshop、GIMP 可以把照片加上濾鏡魚眼去背等等效果。不過目前我還不會使用 synthesizer ,就姑且把 Rosegarden 作為錄制自己樂器練習的音樂軟體吧。

#DAW

話說前一陣子學習 Ardour 操作,有感它在操作、編輯聲音檔案的概念與安排機制比較接近 Audacity,於是又回頭重新練習 Audacity。大約 20年前自己玩影音編輯軟體時,就是利用 Audacity 來做聲音檔案的簡單混合、修飾,當然那年頭的 youtuber/ podcast 還沒成熟的商業模式支橕,我所使用的硬體也不過是最陽春的麥克風、DV/DC 攝影機。

因此我對於 audacity 的印象仍停留在: 可以錄音、可以處理聲音檔案(wav, midi, mp3 等格式),透過內建或增加外掛效果對音軌作非線性編輯剪接。例如要製作 podcast 可以在人聲之外加入進轉退場效果或背景音樂,或是單純對錄制的人聲作點去噪、提高音量的強化。

隨著”自媒體”的興起,過去只有發燒友討論的錄音器材慢慢打開更廣更友善的市場門路。一般人除了基本的電腦與必要軟體外,大概只要花 1~2萬元預算就可以營造一個陽春簡單的錄音環境(麥克風+錄音介面+監聽耳機或喇叭)。

我個人的興趣倒不在製作影片、podcast,玩聲音編輯軟體最主要的需求大概是: 樂器彈奏錄音(頻率高一點但使用時間1年約 10~20個小時左右吧)、學習作曲或編曲(頻率非常之低,大概十年10分鐘?) 。況且若要利用 audacity 作為錄音軟體,似乎得再買一台錄音介面與麥克風來收樂器類比的聲訊後轉化成電流形式才方便進行數位後製,感覺整個成本效益無法對襯。

後來看到有人說 audacity 已經可以直接支援外接的 midi 裝置聲音取錄製,研究一下其作法是在偏好底下選擇midi devices。但在 linux mint 似乎找不到任何來自 USB 的 midi 裝置,忽然靈機一動想到是否可仿效 rosegarden 利用 Qsynth ( 圖像介面的FluidSynth) 來控制管理 midi /audio 輸入輸出。

透過上述方法雖然可以讓 audacity 直接錄製外部 midi 訊號,但錄下來的音色卻很糟糕。

以一週一段旋律的進度, 慢慢來到 Streabbog 〈Twelve very easy and melodious studies for piano〉中段。

樂譜上的這段旋律,可以說是非常乏味,大抵就是 C和弦(C,E,G), G(G,B,D),G7(F,G,B,D) 三四種變化。要說它最大的亮點,當是左手越過右手去彈更高音,故可將之視為練習手臂肌肉交叉的協調。

#Streabbog

練第五段旋律時先從單邊右手部練起,上週方能雙手慢慢合奏。解析兩頁共 34 小節的音符內容,第 1 ~ 7小節與 21~ 28 小節完全相同(即下方淡青色框),而左手伴奏則應用上了 G, D7, D, A7 四種和弦。

練了一兩天,尚未能體會出在這段 G 大調的旋律中,作者要學生們學習哪些鋼琴入門的重點要旨? 參考了油管上別人示範的演繹,才意識到它是三拍子的節奏,而別人在第三拍是輕輕彈起來,而我則是重重跌下去(完全沒注意到部份小節右手部的第三拍是為半拍八分音與半拍休止符的結合)。所以這段的練習重點是休止符 ?

#Streabbog

幾週前好不容易把兩年來斷斷續續摸索數位音樂工作站軟體 LMMS 的學習筆記整理出來,方才更清楚地了解自己到底還有哪些糊里糊塗不明白的地方。

在 LMMS 學習到的是利用節拍編輯器(beat/bassline )來對曲子/旋律的拍子節奏作安排,但關於混音、取樣、合成等等課題自己仍然一無所知,因此打算再利用另一套網友們強力推荐的開源數位音樂工作站軟體: Ardour 來認識數位音樂製作所能所應處理的課題。

在 linux mint 安裝 Ardour 之後,首次打開它的操作介面摸不著任何頭緒,其設計邏輯和 LMMS 大不相同,油管上也沒有一看就懂適合新手入門教學影片。只好回到 Ardour 官網找找教學文件資源。

這份官推的文件還蠻不錯的,作者先鋪陳了一點聲音物理入門,例如 frequency, decibel 看似”耳”熟能詳的字眼,但它們到底在聲波中代表什麼意義?不撿回這點國中物理的常識,那恐怕接下來對聲波的控制操縱就如盲人摸象吧。為此又找了一份基礎物理學教材,復習了:

  1. 頻率(frequency, Hertz) 為每秒聲波振動次數,其次數越多則音調越高(鋼琴C4的頻率約為 261.63 Hz, 而其高八度 C5 頻率則為其二倍 523.68)

  2. 分貝表示聲音大小(和”能量”/功有關)

  3. 聲波形狀則決定了音品音色,無怪乎好和弦在合成器入門影片裏,要花不少時間介紹基本波形。

再回頭認識 Ardour 的操作介面,忽然間明白了 Ardour 的功能設計似乎更像是進階版的 audacity ,使用者滙入聲音或 midi 後再透過一軌或多軌群組的調校與非線性剪輯來錄音編曲作樂。

#daw

上回提到費城 Theodore Presser Co 在 1900 印製發行的鋼琴譜,為這支作品的十二段旋律取名,湊成一個小故事。不過在油管上尋找本支樂曲的示範演奏時,發現好像有另一種版本的命名,例如第一段叫”A Pleasant Morning”,第三段旋律稱為 “On The Green”。猜想作者並未真正給這十二段練習取名,而是後來的樂譜商或彈奏者自己所加上的文字詮釋吧。因未能找到其它命名的完整樂譜版本,故本系列姑且採 Theodore 之命名為彈奏練習時之線索。

學習進度來到了第 4 首旋律,一看樂譜心想:天啊這又是我的罩門——裝飾音的練習。全部 32 小節,無裝飾音只有9 個小節,其它23處裝飾音左右手兼俱連續音有之上升下降黑白鍵都來,就是要讓你練裝飾音練到起飛......

這段 C大調樂曲中,運用到 C和弦, G和弦, G7 (F, G, B, D), D7(C, D, #F, A) 的琶音(arpeggio) 與此四種和弦的變位 (inversions)。從旋律安排來看,第 1 小節~第 8節與第17 ~ 24節(即頁碼 9 第一行第二節算起到第三行止)完全一樣。最後的 8 小節右手部幾乎是單長音沒什麼難點,看起來這段曲子較有變化的該是中間第 25 ~ 16 小節的安排,我把其中自己較不易記住或容易彈錯的地方用紅線圈出來。

本段練習重點: 1. 裝飾音:除了裝飾音外,裝飾主音符之後銜接的音符之間有無連奏記號圓滑線(legato)要求

#Streabbog

繼頭一兩天認真地讀了《LMMS: A Complete Guide to Dance Music Production》,第三天雖繼續照著教科書依樣畫葫蘆卻有些茫無頭緒。

在摸索各式舞曲節拍之際,忽然想起前段時間曾從 Virtual Drumming 下載列印一些基本曲式鼓譜。翻出上述資料按著鼓譜指示,試著在 LMMS bassline 音軌中點錄下 Rock, Dance, Funk 等基本曲式的鼓聲組合節奏。

例如迪斯可的基本鼓譜長這樣: (看懂各式鼓鈸打擊樂器在樂譜表示代號)

Disco 基本由:大鼓、小鼓、Closed HiHat 組成四拍子節奏,轉換到 LMMS bassline 編寫如下

嗯,當自己在長串方格陣點擊安排要下鼓聲的拍子,就會更深刻地體會到所謂電子音樂的準確,任一種鼓聲套件就會必定地出現在所被安排的拍子上如實現身。而真人打擊爵士鼓可能會失準出錯或偶而即興激情一番。

原來我還真無法欣賞喜歡電子舞曲的樂風,還是重拾鋼琴鍵盤古典樂的學習,早早放棄數位音樂製作之夢吧。

#DAW

原自 IMSLP 下載的樂譜掃瞄本有一點點微小的殘缺,故從原出處再下載費城出版商 Theodore Presser Co 印製另一份版本。有趣的是第二套樂譜出版商還將本首作品的十二段旋律分別予以名稱,名字背後帶出了一整個 Lame Princess 跛腳公主的故事(樂譜的第三頁)。

回到練習心得記錄,第一次看到 No.3 當下反應是: 啊慘了,右手部的音符都要以staccato 斷奏方式彈奏。自己對圓滑線(legato)表現不佳,簡直是把 legato 彈成了 staccato,但真的要表現出 staccato 的決斷時,又彈的七零八落支離破碎。

彈過幾遍後,不難察覺這段G大調樂曲的組成元素其實非常單純: 只有 G大調和弦與其五度音 D7 和弦(C, D, #F, A)二種。而左右手的和諧搭配就是在補足這兩個和弦的完整。既然曲子本身旋律很簡單,那麼作者要求的學習重點就是落在 staccato 斷奏技巧 的掌握練習。

#Streabbog